INTRODUCCIÓN.

Ningún museo ha quedado fuera de la situación, más del 80% de los museos espera reducir la programación y el 10% podría cerrar permanentemente según encuestas realizadas por el Consejo Internacional de Museos a 106 países.

Además, según menciona la “Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO)”, el sector de la cultura (que emplea a más de 30 millones de personas a nivel mundial) se ha visto mucho más afectado de lo esperado por la pandemia del coronavirus y sus consecuencias. Las galerías de todo el mundo esperan perder un promedio del 72% de sus ingresos anuales debido a la pandemia de Covid-19, según una nueva encuesta realizada por The Art Newspaper y la economista Rachel Pownall.

Alrededor del 33,9% de las galerías a nivel mundial no esperan sobrevivir a la crisis, según la encuesta. Además, se enfatiza la vulnerabilidad de las empresas más pequeñas quienes tienen una probabilidad del 62% de supervivencia según el estudio.

Crisis como las provocadas por el Covid-19, cambian los paradigmas, invierten las perspectivas y aceleran los procesos que ya estaban en marcha. Las instituciones culturales han tenido que hacer frente a la repentina necesidad de replantearse la experiencia física de la cultura, la viabilidad de los modelos de financiación y el papel de la cultura.

La pandemia del Covid-19 ha acelerado el movimiento de digitalización que se ha estado realizando desde hace algunos años en los espacios expositivos con el objetivo de investigar, conservar, continuar y comunicar a la sociedad acerca del patrimonio natural y cultural. A largo plazo, la aceleración de las tecnologías también plantea la cuestión del futuro de la experiencia museística.

LOS ESPACIOS EXPOSITIVOS Y EL AURA EN LOS OBJETOS.

“El arte heredó de la antigua religión el poder de consagrar a las cosas e infundirles una suerte de eternidad: los museos son nuestros templos y los objetos que se exhiben en ellos están más allá de la historia (Octavio Paz, 1994)”.

Tal como menciona Félix de Azúa en su libro “Diccionario de las Artes”, las galerías son el lugar en que las obras de arte son producidas ya que sólo se puede considerar obra de arte a aquellas piezas producidas en una galería. Puede resultar exagerado decir que sin las galerías de arte no podríamos saber qué es y qué no lo es, o simplemente, en qué consiste el arte actual.

La obra de arte no tiene más existencia que su relación con un sujeto en la experiencia estética de manera que mucho de lo que en la galería de arte es obra de arte lo deja de ser una vez la exposición es clausurada y pasan a ser objetos especulativos. En la galería de arte se da un fenómeno exclusivo en donde a las piezas se le da una carga aurática, una presencia real. 

Si lo aurático es lo alejado, lo misterioso, lo excepcional, lo único y muy valioso, casi todo el arte de los museos y galerías está “auroleado” por esas cualidades, y la mayor parte de artistas vivos aspiran a encarnar alguno de esos calificativos.

Pero como dicen Leadbeater y otros teósofos: “el aura no se puede reproducir”. Walter Benjamin dice que solamente los intérpretes y la obra original tienen aura. Estas afirmaciones proponen que la reproducción, tanto del actor (cine) como la obra de arte (fotografía de la obra) implica inexorablemente la pérdida del aura.

José Luis Brea planteó a principios de los años noventa la “metáfora de la temperatura” la cual plantea que más que a una desaparición del aura es una variación (un enfriamiento) de su temperatura a lo que asistimos.

Pero eso no impide que cada cual invente o se encuentre con un espacio de aparición propio y al mismo tiempo universal. Vila-Mata propone la existencia de espacios de aparición portátiles, que son generados por la relación de los objetos con los espectadores. 

LOS MEDIA Y OBJETOS VIRTUALES.

Los “media”, definidos por Félix de Azúa, son los actuales creadores de la realidad y su actividad determina en gran medida las prácticas artísticas. No discutiremos sobre las posibilidades artísticas que las nuevas tecnologías brindan ya que lo relevante en el arte no es el soporte. A finales del 2007, Obrist habla sobre la fascinación existente desde hace 10 años hacia la realidad virtual, una nueva valoración de los materiales. 

Los medios virtuales abren la pregunta de si es posible fabricar la inmaterialidad. La respuesta es afirmativa, y masiva, ya que el arte virtual es elaborado por y para los ordenadores. Sin fin de objetos previamente inexistentes, liberados de todas las leyes físicas, habitan en todos los vértices de la red. 

Tal es el caso de Refik Anadol, un media artist, quien usa los datos como pigmento y pinta con un pincel que piensa asistido por inteligencia artificial usando la arquitectura como lienzo, así define el propio artista su trabajo en la conferencia “Art in the age of machine intelligence” en el canal de Youtube de TED Talks. El trabajo de Refik Anadol busca la hibridación entre el espacio digital y el espacio físico. 

PROBLEMÁTICA ENTRE LA REALIDAD FÍSICA Y LA REALIDAD VIRTUAL.

“Ambas realidades, la física y la virtual, una vez unificadas y coordinadas, habrán alcanzado el grado máximo de expansión lírica que permiten los media. Tras haber consumido las etapas épica y lírica, el proceso entrará entonces en su capítulo dramático, del que nada puede aún vislumbrarse (Félix de Azúa, 2002)".

Uno de los grandes desafíos a los que se enfrentan actualmente los museos y galerías al tener que cerrar sus puertas, aparte del factor económico y las políticas a implementar con materia en derechos de autor, es cómo brindar la experiencia estética de objetos realizados pensados para espacios físicos haciendo uso de un espacio digital. Esto es un gran desafío, ya que tradicionalmente los espacios expositivos habían hecho uso de las tecnologías como un medio de difusión para sus exhibiciones y no como el medio para consumirlas. 

Además, incluso cuando se ha experimentado visualmente con elementos como los ready made y los media, las piezas resultantes siguen siendo pensadas para su interacción con el público en un espacio físico, tal es el caso de Olafur Eliasson quien en su trabajo ha experimentado inclusive con la temperatura como medio de creación o como los trabajos del colectivo artístico “Proyecto SEMEFO” (siglas del Servicio Mexicano Forense), quienes llegaron a hacer uso del vapor de los fluidos corporales para la ejecución de algunas de sus propuestas. 

Dichos trabajos, a diferencia de los objetos virtuales, son piezas que solamente funcionan cuando hay una interacción física con ellas. El problema surge cuando se quiere dar una experiencia física utilizando canales digitales, hay información que simplemente no se puede recibir y por lo tanto sucede lo que Walter Benjamin dice, la muerte del aura. 

CONCLUSIÓN.

Se puede decir que es un problema en la traducción, un problema en el sistema para poder interpretar los signos no lingüísticos que componen las obras de arte. Dichas traducciones se vuelven una metáfora de la pieza original, no una copia. 

Adaptarse no es fácil, algunos museos y galerías han optado por buscar nuevos medios para poder brindar una mejor experiencia a los usuarios de sus plataformas, algunas de esas han sido simulaciones 3d, fotografías en 360°, etc. 

Actualmente el sector cultural mundial ha enfrentado problemáticas nunca vistas. Esto ha desencadenado que los gobiernos de todo el mundo hagan políticas de apoyo a los artistas, también ha surgido cuestionamientos acerca del arte: su mercado, distribución, espacios de exhibición, filosofía y teoría. Las consecuencias de lo que actualmente sucede están aún sin poder visualizarse, pero lo único que es seguro es que las cosas no volverán a lo que eran antes de la pandemia.

La manera en que las expresiones artísticas y sus espacios puedan mantenerse es que produzcan en las condiciones circunstanciales (que se adapten), de manera en que puedan dar respuesta a las necesidades subjetivas y concretas. Después de todo, las obras expresan los modos en que se experimenta un mundo. 

REFERENCIAS:

• Michalska, Julia, Anna Brady y Rachel Pownall (2abril 2020). Galleries worldwide face 70% income crash due to coronavirus. Publicado por The Art Newspaper, en: https://www.theartnewspaper.com/news/galleries-face-70- income-crash-due-to-the-coronavirus

• Farago, Jason (13 enero 2021). The Arts Are in Crisis. Here’s How Biden Can Help. Publicado por The New York Times, en: https://www.nytimes.com/2021/01/13/arts/design/arts-stimulus-biden.html

• Spolar, Christine (diciembre 2020). When the world reopens, will art museums still be there?. Publicado por National Geographic, en: https://www.nationalgeographic.com/travel/2020/12/how-museums-arestaying-alive-during-coronvirus/ 

• United Nations (22 diciembre 2020). Culture in crisis: Arts fighting to survive COVID-19 impact. UN News, en https://news.un.org/en/story/2020/12/1080572

• De Azúa, F.; (2002). Diccionario de las Artes. Barcelona, España. Editorial Anagrama. 

• Ramírez, J.A.; (2015). El objeto y el aura. (des)orden visual del arte moderno. Madrid, España. Editorial Akal. 

• Paz, O.; (2013). Obras completas, 6. Los privilegios de la vista I. ARTE MODERNO UNIVERSAL. México, D.F.; México. Editorial Fondo de Cultura Económica. 

• Carbajal Rodríguez, A.; (2019). El problema del culto a las imágenes. Guadalajara, México. Editorial Ban Pang.